ВЕЛИКИЕ  ИТАЛЬЯНСКИЕ ХУДОЖНИКИ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ.
    Народы Европы стремились к возрождению сокровищ и традиций,  утраченных
из-за бесконечных истребительных войн. Войны уносили с лица земли  и  людей,
и то  великое,  что  люди  создавали.  Идея  возродить  высокую  цивилизацию
древнего  мира  вызвала  к  жизни  философию,  литературу,  музыку,   подъем
естественных наук и — более всего – расцвет  художества.  Эпоха  потребовала
сильных, образованных, не боящихся никакой работы людей. Именно в  их  среде
стало возможно появление тех немногих  гениев,  которых  называют  «титанами
Возрождения». Тех самых, кого мы зовем только по имени.
    Эпоха  Возрождения  была   прежде   всего   итальянской.   Поэтому   не
удивительно,  что  именно  в  Италии  искусство  в  этот   период   достигло
наивысшего подъема и расцвета.  Именно  здесь  насчитываются  десятки   имен
титанов, гениев, великих и просто талантливых художников.
                   МУЗЫКА  ЛЕОНАРДО.
    Какой счастливец! – скажут о нем многие. Был наделен редким  здоровьем,
прекрасен собою, высок, синеглаз. В юности носил  белокурые  локоны,  гордою
статью  напоминал  Донателлова  святого  Георгия.  Обладал   неслыханной   и
отважной силой, мужской доблестью. Дивно пел, на глазах  слушателей  сочинял
мелодии и стихи. Играл на любом музыкальном инструменте, более того  сам  их
создавал.
    Для искусства Леонардо да  Винчи  современники  и  потомки  никогда  не
находили иных определений, чем «гениальное», «божественное»,  «великое».  Те
же слова относят к его научным откровениям: он  придумал  танк,  экскаватор,
вертолет, подводный  корабль,  парашют,  автоматическое  оружие,  водолазный
шлем,  лифт,  решил  сложнейшие  проблемы  акустики,   ботаники,   медицины,
космографии, создал проект круглого театра,  придумал  на  столетие  раньше,
чем Галилей, часовой  маятник, нарисовал нынешние  водные  лыжи,  разработал
теорию механики.
    Какой счастливец! – скажут о нем многие и станут вспоминать его любимых
князей и королей, искавших с ним знакомства, зрелища  и  праздники,  которые
он придумывал как художник, драматург, актер,  архитектор,  а  веселился  на
них, как дитя.
    Однако был ли счастлив неуемный долгожитель Леонардо, чей  всякий  день
дарил людям и миру провидения и озарения? Он предчувствовал  ужасную  судьбу
своих творений: разрушение «Тайной  вечери»,  расстрел  памятника  Франческа
Сфорца, низкую торговлю и гнусные кражи  его  дневников,  рабочих  тетрадей.
Всего  только  шестнадцать  живописных  работ  сохранилось  до  наших  дней.
Немногие скульптуры. Но множество  рисунков,  закодированных  чертежей:  как
герои современной фантастики, он менял деталь в  своей  конструкции,  словно
бы затем, чтоб другой не мог ею воспользоваться.
    Леонардо да Винчи творил в разных  видах  и  жанрах  искусства,  однако
наибольшую славу ему принесла живопись.
    Одной из самых ранних живописных работ  Леонардо  является  «Мадонна  с
цветком» или «Мадонна Бенуа». Уже здесь  художник  выступает  как  подлинный
новатор. Он преодолевает рамки традиционного сюжета  и  придает  изображению
более  широкий,  общечеловеческий  смысл,  каковыми   являются   материнская
радость  и  любовь.  В  этом  произведении   отчетливо   проявились   многие
особенности искусства художника: четкая композиция фигур и объемность  форм,
стремление к лаконичности и обобщению, психологическая выразительность.
    Продолжением начатой темы  стало  полотно  «Мадонна  Литта»,  где  ярко
проявилась еще одна особенность творчества художника – игра  на  контрастах.
Завершением темы явилась картина  «Мадонна  в  гроте»,  в  которой  отмечено
идеальное композиционное решение,  благодаря  которому  изображенные  фигуры
Мадонны, Христа и ангелов сливаются с пейзажем в  единое  целое,  наделенное
спокойным равновесием и гармонией.
    Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «тайная  вечеря»  в
трапезной монастыря Санта Мария Делла Грацие. Эта работа поражает не  только
общей  композицией,  но   и   точностью.   Леонардо   не   просто   передает
психологическое состояние апостолов, но  делает  это  в  момент,  когда  оно
достигает критической точки, переходит в психологический взрыв  и  конфликт.
Этот взрыв вызван словами  Христа:  «Один  из  вас  предаст  меня».  В  этом
произведении  Леонардо  в  полной   мере   использовал   прием   конкретного
сопоставления  фигур,  благодаря  которому  каждый  персонаж  предстает  как
неповторимая индивидуальность и личность.
    Второй вершиной творчества Леонарда стал знаменитый портрет Моны  Лизы,
или «Джоконда». Это  произведение  положило  начало  жанру  психологического
портрета в европейском искусстве. При его создании великий мастер с  блеском
использовал весь  арсенал  средств  художественной  выразительности:  резкие
контрасты и мягкие полутона, застывшая неподвижность и всеобщая текучесть  и
изменчивость,  тончайшие  психологические  нюансы  и  переходы.  Весь  гений
Леонардо заключен в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее  таинственной  и
загадочной улыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж.  Это  произведение
относится к числу редчайших шедевров искусства.
    Все, кто видел в Москве привезенную из Лувра «Джоконду», помнят  минуты
своей  полной  глухоты  возле  этого  небольшого  холста,  напряжения  всего
лучшего в себе самом.  Джоконда  казалась  «марсианкой»,  представительницей
неизвестного – должно быть, будущего, а не прошлого  человеческого  племени,
воплощением гармонии, о которой не устал и никогда не устанет мечтать мир.
    Еще много можно рассказать о нем. Удивляясь, что это не  вымысел  и  не
фантазия. Вот, к примеру, можно  вспомнить,  как  он  предложил  передвинуть
собор Сан-Джованни,  — работа  такая поражает и нас, жителей ХХ столетия.
    Леонардо говорил: «Хороший художник должен  уметь  писать  две  главные
вещи: человека и представление его души. Или это сказано  о  «Коломбине»  из
петербургского Эрмитажа? Некоторые исследователи именно ее,  а  не  луврский
холст называют «Джокондой».
    Мальчик Нардо, так звали его в Винчи: незаконнорожденный сын  буквоеда-
нотариуса,  считавший лучшими существами на Земле птиц  и  лошадей.  Любимый
всеми  и  одинокий,  сгибавший  стальные  шпаги  и  рисовавший   повешенных.
Придумавший мост через Босфор и идеальный город,  более  прекрасный,  чем  у
Корбюзье и Нимейера. Певший мягким баритоном и заставлявший  улыбаться  Мону
Лизу. В одной из последних тетрадей этот счастливец записал: «Мне  казалось,
что я учусь жить, но учился я умирать».  Однако  следом  подытожил:  «Хорошо
прожитая жизнь —  долгая жизнь».
    Можно ли не согласиться  с Леонардо?
                 САНДРО  БОТТИЧЕЛЛИ.
    Сандро Боттичелли родился во Флоренции в 1445 году в  семье  дубильщика
кожи.
    Первой   по   времени   оригинальной   работой   Боттичелли   считается
«Поклонение волхвов» (около 1740 года), где  уже  вполне  сказалось  главное
свойство его первоначальной манеры – мечтательность  и  тонкая  поэтичность.
Он  был  одарен  прирожденным  чувством  поэтичности,  но  явственный  налет
созерцательной  грусти  сквозил  у  него  буквально  во  всем.  Даже  святой
Себастьян,  терзаемый  стрелами  мучителей,  смотрит  у  него  задумчиво   и
отрешенно.
    В  конце  1470-х  годов  Боттичелли  сблизился  с  кругом  фактического
правителя Флоренции Лоренцо Медичи, прозванного  Великолепным.  В  роскошных
садах Лоренцо собиралось общество  людей,  наверное,  самых  просвещенных  и
талантливых во Флоренции. Там  бывали  философы,  поэты,  музыканты.  Царила
атмосфера преклонения перед красотой,  причем  ценилась  не  только  красота
искусства, но и красота жизни. Прообразом идеального искусства  и  идеальной
жизни считалась античность, воспринятая,  однако,  через  призму  позднейших
философских наслоений.  Без  сомнения,  под  влиянием  этой  атмосферы  была
создана  первая  большая  картина  Боттичелли  «Примавера  (Весна)».  Это  –
похожая  на  сновидение,  изысканная,  дивно  красивая   аллегория   вечного
круговорота, постоянного обновления природы.  Ее  пронизывает  сложнейший  и
прихотливый музыкальный ритм.  Фигура  Флоры,  убранной  цветами,  танцующих
граций в райском саду представляли собой еще не виданные в то  время  образы
красоты и потому  производили  особенно  пленительное  впечатление.  Молодой
Боттичелли сразу же занял выдающееся место среди мастеров своего времени.
    Именно высокая репутация молодого живописца  обеспечила  ему  заказ  на
библейские фрески для Ватиканской Сикстинской капеллы, которые он  создал  в
начале 1480-х годов в Риме. Он написал «Сцены из жизни  Моисея»,  «Наказание
Корея, Дафана и Авирона», проявив  удивительное  композиционное  мастерство.
Классическое спокойствие  античных  строений,  на  фоне  которых  Боттичелли
развернул действие, резко контрастирует с драматическим ритмом  изображенных
характеров и страстей; движение человеческих тел сложно, запутано,  насыщено
взрывчатой силой; создается впечатление сотрясаемой гармонии,  беззащитности
видимого мира перед стремительным   напором  времени  и  человеческой  воли.
Фрески Сикстинской капеллы впервые выразили глубокую тревогу, жившую в  душе
Боттичелли,  которая  со  временем  крепла.  В  этих  же  фресках   сказался
удивительный талант Боттичелли-портретиста: каждое из  множества  написанных
лиц совершенно своеобразно, неповторимо и незабываемо…
    В 1480-х годах, вернувшись во Флоренцию, Боттичелли продолжал неутомимо
работать, однако умиротворенная  ясность  «Примеры»  оставалась  уже  далеко
позади.  В  середине  десятилетия  он  написал  свое  знаменитое   «Рождение
Венеры». Исследователи отмечают в  поздних  работах  мастера  несвойственный
ему прежде морализм, религиозную экзальтацию.
    Может быть, более значительны, чем поздняя живопись, рисунки Боттичелли
90-х годов – иллюстрации  к  «Божественной  комедии»  Данте.  Он  рисовал  с
очевидным  и  нескрываемым  восторгом;  видения  великого  поэта  любовно  и
тщательно   переданы   совершенством   пропорций    многочисленных    фигур,
продуманной организацией пространства, неистощимой  находчивостью  в  поиске
зрительных эквивалентов поэтического слова…
    Несмотря ни на какие душевные бури и кризисы Боттичелли до самого конца
(он скончался в 1510 году) оставался великим художником, властелином  своего
искусства. Об этом  ясно свидетельствует благородная лепка лица в  «Портрете
молодого человека»,  выразительная  характеристика  модели,  не  оставляющая
сомнения в ее высоких человеческих достоинствах, твердый рисунок  мастера  и
его доброжелательный взгляд.
               ПЕВЕЦ  ЖЕНСКОЙ  КРАСОТЫ.
    Пять столетий имя Рафаэля окружено  ореолом  восхищения  и  поклонения.
Современники, высоко ценившие его талант,  назвали  художника  «божественный
Рафаэль». И это не было преувеличением. Как никто другой  из  живописцев  он
умел убедить в правдивости своих образов и в то же  время  зародить  в  душе
стремление к прекрасному.
    Рафаэль прожил ровно 37 лет. Родился в страстную пятницу 6 апреля  1483
года, умер 6 апреля 1520 года тоже в страстную пятницу.  Рафаэль  родился  в
маленьком итальянском городке Урбино у Джованни и  Маджии  Санти.  Его  отец
был «художник посредственный, но человек здравомыслящий», а кроме  того  еще
и поэт, писавший стихотворные хроники. Отец сделался учителем  сына.  И  все
было хорошо в их доме, пока не  умерла  Маджия.  Только  8  лет  исполнилось
тогда Рафаэлю, а через три года  он  потерял  и  отца.  Мастерскую  Джованни
Санти, как уже говорилось, украшала фреска, написанная на  стене  им  самим:
красавица мать (мадонна) с малышом на коленях  и  книгой  в  руке.  Рафаэлло
считал эту фреску изображением  Маджии и иногда проводил около стены  долгие
часы. Время отрочества Рафаэля совпало с началом эпохи Возрождения.
    В отличие от Леонардо Рафаэль полностью принадлежал своему  времени.  В
его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного.  В  них
все ясно и прозрачно, все прекрасно и  совершенно.  Он  с  наибольшей  силой
воплотил положительный идеал прекрасного человека. В  его  творчестве  царит
жизнеутверждающее начало. Главной темой его творчества стала  тема  Мадонны,
которая нашла у него непревзойденное, идеальное воплощение.
     Ему еще не исполнится 19 лет, когда он напишет  свой  шедевр  «Мадонну
Конестабиле». В круге, точно вписанном в квадрат, Рафаэль изобразил  молодую
женщину, укрытую синим платком.  Она  держит  в  правой  руке  книгу,  левой
прижимает к себе маленького сына и они вместе  –  голенький  мальчик  и  его
мама –  смотрят  в  книгу.  »Здесь  Рафаэль  выступает  как  мастер  раннего
Возрождения,  как  рассказчик,  который  боится   упустить  малейшую  деталь
повествования».  Юность   художника   и   робость   стиля,   еле   приметная
неуверенность в себе и все  приметы  приближающейся  зрелости  придают  этой
первой из рафаэлевских Мадонн совершенно особое очарование, немного  зыбкое,
кажется, готовое исчезнуть, раствориться в глубокой дали, где едва  зеленеют
весенние поля и еще без листвы стоят деревья…
    За эти полотном последовала целая  серия  вариаций  на  ту  же  тему  —
«Мадонна со щегленком»,  «Прекрасная  садовница»,  «Мадонна  среди  зелени»,
«Мадонна с безбородым Иосифом», «Мадонна под балдахином».          А.  Бенуа
определил эти вариации как «чарующие живописные сонеты». Все  они  возвышают
и идеализируют человека, воспевают красоту, гармонию и изящество.
    В 1504 году Рафаэль написал вслед за свои учителем  Перуджино  алтарный
образ  «Обручение  Марии»  –  картину   совершенно   изумительной   красоты,
просветленной грусти и мудрости, которая особенно потрясает, если  отчетливо
представишь себе, что тайновидец и прозорливец,  создавший  «Обручение»,   —
это юноша чуть за двадцать лет.
    Тема покорности,  полного  предания  себя  во  власть  высшего  начала,
смирения перед ним, бывшая главной духовной темой Рафаэля, раскрытая  полнее
всего во многих и многих  образах  его  Мадонн,  звучит  здесь  поразительно
ясно.  Мария,  стоящая  перед  первосвященником,   протянув   руку   Иосифу,
благочестивый Иосиф, седобородый   первосвященник-патриарх  написаны  юношей
Рафаэлем с такой глубиной и  мастерством,  похожим,  собственно,  больше  на
знание, чем  на  мастерство,  которые  не  объяснить  только  художественной
гениальностью, — за этим безусловно  стоит  человеческий  (личный)  опыт,  и
загадку его нам едва ли удастся когда-нибудь разгадать до конца…
    Вот последующие этапы творческого  пути  Рафаэля:  его  пребывание   во
Флоренции (1504-1508 г.г.) – время пристального изучения работ  Леонардо  да
Винчи, анатомии, перспективы, время  усиленного  самовоспитания,  в  котором
натура гениальная остро нуждается на пороге окончательной зрелости. Затем  –
работа над «станцами» (росписями парадных зал) Ватиканского дворца  в  Риме,
куда Рафаэль отправился по приглашению папы Юлия ІІ (с осени  1508  года  до
середины 1510г.); там Рафаэлю впервые по-настоящему открылась античность,  и
он, будучи уже знаменитым мастером, увлекся ею с  энтузиазмом  неофита.  Она
пробудила в нем скрытый  до  той  поры  талант  ваятеля  и  талант  зодчего.
Наконец, последний, тоже римский, период, венцом которого стал  рафаэлевский
шедевр – «Сикстинская Мадонна» (1515-1519 г.г.), наверное, самая  знаменитая
картина во всей  мировой  живописи.  Мадонна  изображена  легко  парящей  на
облаках. Держа в руках своего младенца, она спускается на землю к  людям,  и
движение ее, едва уловимое, передано Рафаэлем с исключительным  мастерством.
Слева  от  зрителя  –  папа   Сикст    покровитель   монастыря,   охваченный
благоговением и  восторгом  при  виде  мадонны,  справа  –  святая  Варвара,
которая считалась покровительницей  города  Пьяченцы.  Спокойно  сидящий  на
руках у мадонны младенец полон недетской серьезности, взгляд  пристальный  и
внимательный.
    В картине царит мера. Уравновешенность и гармония. Ее отличают  плавные
и закругленные линии, мягкий и  мелодичный  рисунок,  богатство  и  сочность
колорита. Сама Мадонна  излучает  энергию  и  движение.  Этим  произведением
Рафаэль создал самый возвышенный и поэтический  образ  Мадонны  в  искусстве
Ренессанса.
    Рафаэль считается художником женственной и  небесной  стихии,  которому
«звуков небес заменить не могли…  скучные  песни  земли».  И  это  верно  до
известной степени. Только неправильно было бы думать, что  причина  этому  –
его незнание или непонимание жизни и людей. Лучшее  доказательство  этому  –
его портреты. Этот художник Мадонн был блистательным портретистом, причем  в
эпоху, когда,  «скульптурный или живописный портрет  говорил  людям  больше,
чем самая лучшая биография». Свое понимание  людей  Рафаэль,  прежде  всего,
обнаружил  своим   «Автопортретом»  1506  года:  прекрасное  лицо   написано
вполоборота, в огромных глазах – бесконечная печаль,  даже  и  отрешенность,
но не обманитесь: взгляд этих глаз зорок – от него не  ускользнет  ничто  из
того, что он только удостоит заметить.
    Рафаэль исполнил много портретов, мужских и женских. Назовем еще два из
них:  «Портрет  Аньоло  Дони»  —   молодого  человека,   складом   характера
совершенно противоположного самому Рафаэлю: властного,  трезвого,  возможно,
жесткого, и знаменитый портрет «Папы Льва Х  с  двумя  кардиналами»  –  этот
папа римский был почитателем и покровителем Рафаэля  в  последние  годы  его
жизни. Но художник не  польстил  ему:  пухлое  лицо,  настороженный  взгляд,
руки, выдававшие тайное беспокойство, — воплощение строгой и  нелицеприятной
правды…
    В 1508 году он приезжает в Рим, где  вместе  с  известными  художниками
расписывает в Ватикане покои папы римского. Уже  к  тридцати  годам  Рафаэль
становится  знаменитостью,  создает  непревзойденные  по   монументальности,
размаху, совершенству композиции и глубине содержания фрески, которые  вошли
в последствии в историю мирового искусства.
    По эскизам великого художника создавали свои произведения архитекторы и
скульпторы.  В  качестве  архитектора  с   1515   года   Рафаэль   руководил
строительством собора св. Петра.
    По мотивам открытых им древних росписей при  археологических  раскопках
он  создает  замечательный  декоративный  ансамбль  ватиканских  лоджий.  По
эскизам художника в Брюсселе были вытканы  огромные  ковры,  предназначенные
для украшения Сикстинской капеллы.
    В полном расцвете творческих сил умер выдающийся  художник,  признанный
главой римской  художественной  школы.  Похоронен  он  в  римском  пантеоне.
Могилу украшает мраморная статуя мадонны  с  надписью  «Здесь  покоится  тот
Рафаэль, при жизни которого великая  природа  боялась  быть  побежденной,  а
после его смерти она боялась умереть».
                  МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРОТТИ.
    Этот мастер (1475-1564) является третьим  великим  гением  итальянского
Возрождения. По  масштабу  личности  он  приближается  к  Леонардо.  Он  был
скульптором, живописцем, архитектором и поэтом.
    Среди  первых  его  творений   обращает   на   себя   внимание   статуя
«Замахнувшийся мальчик»,  которая  перекликается  с  «Дискоболом»  античного
скульптора  Мирона.  В  ней  мастеру  удалось  ярко  выразить   движение   и
страстность юного существа.
    Две работы – статуя «Вакх» и группа «Пьета»  –  созданные  в  конце  15
века, принесли Микеланджело широкую известность и славу.
    Одним  из  высших  достижений  Микеланджело  явилась  статуя   «Давид».
Идеальные пропорции, совершенная пластика, редкая гармония  форм  делают  ее
удивительно естественной, легкой и прекрасной. Статуя  наполнена  внутренней
жизнью, энергией и силой. Она является гимном  человеческой  мужественности,
красоте, грации и изяществу.
    К  числу  высших  достижений  Микеланджело  относятся   также   работы,
созданные для гробницы папы Юлия ІІ – «Моисей», «Скованный раб»,  «Умирающий
раю»,  «Просыпающийся  раб»,  «Скорчившийся  мальчик».  Над  этой  гробницей
ваятель трудился с перерывами около  40  лет,  но  так  и  не  довел  ее  до
завершения. Однако то, что  ваятель  успел  создать,  считается  величайшими
шедеврами мирового искусства.  В  этих  произведениях  Микеланджело  удалось
достичь   высшего   совершенства,   идеального   единства   и   соответствия
внутреннего смысла и внешней формы.
    Помимо скульптур Микеланджело создал прекрасные произведения  живописи.
Самыми  значительными  из  них  являются  росписи  Сикстинской   капеллы   в
Ватикане.
    Он расписал плафон Сикстинской капеллы, затратив  на  это  четыре  года
(1508 – 1512) и  проделав  фантастически  трудную  и  огромную  работу.  Ему
пришлось  покрыть  фресками  более  600  квадратных  метров.   На   огромных
поверхностях  плафона  Микеланджело  изобразил  ветхозаветные  сюжеты  –  от
Сотворения мира до Потопа, а также  сцены  из  повседневной  жизни  –  мать,
играющая с детьми, погруженный в глубокое раздумье старик, читающий юноша  и
т.д.
    Во второй раз (1535 – 1541) Микеланджело создает фреску «Страшный Суд»,
разместив ее на алтарной стороне Сикстинской капеллы. В  центре  композиции,
в световом нимбе находится фигура Христа, поднявшего в грозном жесте  правую
руку. Вокруг него расположено множество обнаженных человеческих  фигур.  Все
изображенное на полотне приведено в круговое  движение,  которое  начинается
внизу, с левой стороны, где изображены восстающие из  могил  мертвецы.  Выше
них  расположены  устремленные  вверх  души,  а  над  ними   –   праведники.
Библейский смысл Страшного Суда выражен ярко и впечатляюще.
    В последние годы Микеланджело  занимается  архитектурой.  Он  завершает
строительство собора св. Петра,  внеся  изменения  в  первоначальный  проект
Браманте.
    Этих художников мы называем только по имени, не вспоминаю  их  фамилий.
Да, Рафаэль лишь имя, как Микеланджело и  Леонардо.  Разве  у  этих  великих
мастеров не  было  фамилий?  Были,  конечно.   Но  человечество,  которое  в
течение пяти веков с гордостью произносит эти имена, словно бы  забыло,  что
они могут быть даны и другим…Сотни итальянских мальчиков зовутся  и  звались
так же. И все-таки  есть  единственный  Рафаэль,  единственны  его  собратья
Леонардо, Микеланджело, Сандро.
    Эпоха Возрождения  была  прежде  всего  духовным  явлением.  Она  стала
поворотным пунктом в эволюции западной культуры и цивилизации. Она  означала
начало новой тенденции – тенденции от культуры к цивилизации.